dis de dislexia...

Modelos embaladas a vácuo no desfile-display da designer holandesa Iris Van Herpen na semana de moda de Paris há alguns dias atrás. Onde supostamente deveria haver movimento, fluidez,  aprisionamento, imobilidade. 

Dentre os sentidos do prefixo "dis" estão os seguintes: separação, negação, contrário, dificuldade, contrariedade. Distração: falta ou dificuldade de atenção; distopia: posição ou situação anormal de um órgão do corpo humano. Ou o contrário de utopia: a separação dos ideais de liberdade e igualdade, e a organização social da realidade - caótica, violenta, sem sentido. Dislexia: dificuldade com o "lexus", a palavra, com o ler e escrever. Negação do tempo de refletir, compreender, interpretar. 

Fukaeri é a adolescente introvertida, monossilábica, misteriosa; a menina diagnosticada como disléxica, que não consegue se ater muito tempo à leitura e à escrita, mas capaz de criar uma história fantástica e absolutamente original que fascina um cínico editor e um escritor-to-be na trilogia "1Q84" de Haruki Murakami. 

Fukaeri fala pouco, não consegue formular questões; mistura um vestido de algodão leve de verão com um casaco de neve para o inverno pesado; é quase inexpressiva. Fukaeri, apesar dos seus 17 anos, comporta-se como um traumatizado de guerra, como um indivíduo que passou por tantos revezes na vida e que, por isso, sua única resposta é o silêncio, o olhar parado no infinito.  

Não sei exatamente explicar porque esse blog foi interrompido: uma distensão entre setembro do ano passado e o dia 9 de março deste ano. Feito Fukaeri, quero dizer não, refutar, dizer que não compreendo o que vem acontecendo ao meu redor ao longo desses meses. Com o olhar perdido no horizonte, recomeço a escrever por aqui. Sem pretensões, sem alvo, sem direção. A grande vantagem é a de que, se eu bater em alta velocidade contra um poste ou uma árvore, capotar inúmeras vezes, e deslizar barranco abaixo, ainda assim continuarei vivo. Terei voltado a arriscar.  

o espírito do tempo...

Ifotos da expo bauhaus.foto.filme em cartaz no Sesc Pinheiros aqui de São Paulo.

Zeitgeist é uma palavra, um conceito grafado em alemão significando espírito da época ou do tempo. Independentemente das vertentes filosóficas que se apropriam do termo, Zeitgeist, numa interpretação mais pragmática, tem a ver com o espírito de uma época responsável ou influente na criação de movimentos sociais, políticos ou mesmo artísticos. 

A escola de design, fotografia, arquitetura e multi-meios fundada em 1919 por Walter Gropius em Weimar, Alemanha, de nome Bauhaus, veste o conceito de Zeitgeist feito uma luva. Sob a ideologia de uma arte total, acoplada às mudanças tecnológicas e culturais do momento histórico - a predominância da técnica, a mistura de arte e artesanato, a reprodução em massa trazida pela indústria; as novas tecnologias como a fotografia, o cinema; a funcionalidade introduzida como prioridade no design de interiores e na arquitetura -, tudo isso somado demonstra a preocupação da Bauhaus com o seu tempo, com a tentativa de promover uma utopia dentro da chegada inexorável do capitalismo industrial. 

Logo da escola criado em 1919.

A mostra bauhaus.foto.filme, em cartaz no SESC Pinheiros até 4 de agosto, reúne 100 fotos e 12 vídeos produzidos por professores e alunos da Bauhaus durante seu período de existência, entre 1919 e 1933 (para se ter uma ideia da fertilidade da produção fotográfica da escola, o arquivo Bauhaus do Museu do Design de Berlin conta com 40 mil fotografias). São registros os mais variados possíveis: reuniões de alunos e professores em momento de laser, as aulas, estudos de perspectiva e luz, retratos e autorretratos, fotos de projetos arquitetônicos e de design de interiores, mobiliário e utensílios domésticos. Além dos vídeos, as obras mais interessantes a meu ver, porque mostram o dia-a-dia dos experimentos bauhausianos, o modo de vida da época, os conceitos de funcionalidade arquitetônica, o espírito daquele tempo. Uma vida social e cultural efervescente e hiper criativa, a qual, num momento histórico seguinte, sofre um golpe avassalador com a subida ao poder pelos nazistas. 

Zeitgeist permanece, hoje, como a palavra a definir o legado da Bauhaus e a larga influência nos mais variados ramos da arte contemporânea, do design, fotografia e arquitetura. Um espírito de uma época que representou a consciência da forma, a preocupação com a concepção desde os objetos até o estilo e o modo de vida. A Bauhaus nos faz lembrar quão fundamental é o comprometimento com o nosso próprio tempo. 

nas horas vagas...

Safwat Saleem é designer gráfico, filmmaker, artista e o diretor criativo da Arizona State University. Multi-disciplinar. E sem divisão de tempo entre trabalho e horas vagas. O laser dele é arte também. Com a diferença de ser uma arte completamente despretensiosa, no sentido da simplicidade dos recursos usados, do humor envolvido, da sátira, assim como do não-comprometimento com um padrão específico a ser atingido em termos de mercado, conceito, reconhecimento. 

São gravuras de ilustrações que representam relações complicadas entre dois ou mais objetos. Eles dialogam entre si, sempre com um tom de ironia e sarcasmo. As gravuras são simples, com blocagens delicadas de cores, e um traço refinado e limpo. E, acima de tudo, de um humor esperto. 

Um pouco de nonchalance, como bem define a língua francesa, não faz mal a ninguém. Um estado relaxado sem ansiedade nem entusiasmo; uma ausência casual de preocupação ou pretensão. Espero que se divirtam com os "quadrinhos" de Saleem, e aproveitem a sexta-feira, o dia de Vênus... 

design e hábitos de consumo...

Estampas da finlandesa marimekko.

Do frio vem o calor. E do branco, as cores. A Marimekko é uma companhia finlandesa de design que fez contribuições significativas no mundo da moda a partir dos anos 60, e até hoje é reconhecida por suas estampas coloridas e alegres, de desenho arrojado, sempre misturando o elemento étnico com o artsy. 

Hoje mesmo, numa reunião de trabalho com uma parceira querida e profissional renomada na área do design gráfico em São Paulo, comentamos a respeito das diferenças e semelhanças entre design e arte. Entre indústria e prazos versus criação artística mais autoral e única, e tempo mais elastecido. 

Independentemente das características de mercado do business "design", ainda não há no Brasil hábitos de consumo disseminados que permitam um olhar mais diferenciado para um produto, bem ou mercadoria com desenho e estilo distintivo e próprio. Ainda é difícil, mesmo para aqueles consumidores com alto poder aquisitivo, encontrarmos, entre eles, os que valorizam uma peça de uso doméstico e diário de design. Mesmo uma peça de roupa - que fique bem claro que não se trata, aqui, de marcas ou símbolos de status, mas sim de gosto, de uma educação dos sentidos para o belo, o distinto, o peculiar, não importando se é de griffe ou feito por uma costureira, marceneiro ou artesão.

Hoje em dia, a Marimekko atua em vários segmentos do design industrial, em itens domésticos os mais variados. Objeto de desejo, obviamente a um preço mais elevado, mas um prazer garantido de estar envolvido quotidianamente com coisas belas. A arte, não necessariamente, se pendura em paredes ou se instala em galerias ou museus.

as colagens de hollie chastain...

Algo que me encanta na descoberta da obra de um artista é perceber como, pela trajetória de seus próprios trabalhos, esse artista se sente mais em casa, familiarizado, com uma determinada técnica, estilo ou poética. 

Hollie Chastain é uma artista plástica norte-americana que nasceu e mora em Chattanooga, Tennessee. Muito jovem, ela foi tateando por várias técnicas de ilustração e desenho para, enfim, desembocar no tipo de trabalho que a tornou reconhecida - a colagem. Como numa brincadeira de criança, uma vez que a colagem pressupõe o gosto pelos detalhes, pela busca e criação de formas gráficas, pela mistura de materiais, a obra de Chastain tem seu brilho justamente pela delicadeza infantil de seu formato. Como papéis de carta que gostávamos de colecionar. 

esse obscuro sujeito do desejo...

Tom Ford posa com sua primeira coleção para mulheres assinando sua própria marca, em 2011. Foto de Terry Richardson.

A volta de Tom Ford ao design de roupas femininas, em 2011. Foto de Steven Meisel.

Com Stella Tennant.

Com Karen Elson.

O texano Tom Ford foi o responsável por reerguer o império falido dos Gucci, e ainda abocanhar, no período, o papel de designer chefe da marca francesa Yves Saint Laurent. Seu sucesso nos números - em 1999, a Gucci registrou um valor de mercado beirando os U$ 4,5 bilhões - está diretamente relacionado à pontaria certeira de uma consumidora de luxo, diferenciada, ansiando por um novo glamour, uma nova sensualidade mais elaborada. Daí vêem os tecidos luxuosos, como veludo e cetim; as formas clássicas misturadas a grandes fendas nas costas ou decotes ousados; uma atitude de mulher meio femme fatale, meio filme noir. Uma persona feminina de força e refinamento. A dita mulher classuda, no jargão brasileiro.  

Simultaneamente, Ford foi o responsável por trazer a stylist Carine Roitfeld e o fotógrafo Mario Testino para as campanhas da Gucci e YSL, campanhas marcadas por um esmero na direção de arte, na criação de imagens de desejo poderosas.

Quando anunciou seu desligamento das duas griffes em meados dos anos 2000, um certo burburinho de curiosidade se instalou ao redor do mistério feito por Ford. Afinal, o aluno de arquitetura e design de interiores da Parsons School of Design dizia, à época, que não voltaria à moda. Queria novos desafios.

Meia-verdade: em 2007, Ford abriu em Nova York a primeira loja de sua própria marca - Tom Ford - na Madison Ave. O objetivo era trabalhar apenas com roupas masculinas, de alfaiataria exclusiva.

Em 2009, a outra meia-verdade se concretizou: Ford se aventurou pelo cinema - direção e roteiro adaptado - com "A Single Man", traduzido para o português como "Direito de Amar". Com Colin Firth e Julianne Moore como protagonistas, a trama retrata a falta de sentido vivida por um professor de literatura dos EUA dos anos 60 pelo vazio deixado pela morte de seu companheiro. Altamente atmosférico, "Direito de Amar" une as antigas habilidades estéticas de Ford com um refinamento aguçado para tratar o sofrimento do personagem de Firth.

E eis que em 1o. de janeiro de 2011, Tom Ford abre as portas de sua loja em NYC, apenas para grandes publishers de moda e compradores, além de um número reduzido de fotógrafos, para lançar sua primeira coleção de roupas femininas. Ali estava novamente o homem que compreendia as mulheres. As ricas e famosas. Com um casting formado por tops e amigas, como Lauren Hutton, Marisa Berenson, Julianne Moore e Beyoncé, mais Lyia Kebede, Freja Beha, Karlie Kloss, Stella Tennant, Karen Elson, Chanel Imman e Daria Werbowy, o clima era de aristocracia, de puro luxo e intimidade. De roupas e acessórios para poucas, mas desejados por muitas. 

Assista o clipe do desfile de 2011. Belo. 

Fashion art...

A marca italiana Costume National faz roupas e acessórios para mulheres e homens. E também faz arte. Um conceito que funde cinema, moda, animação, ilustração, fotografia em algo outro, novo, que busca criar uma nova identificação da marca com seu consumidor. Sob esse novo conceito de branding, a Costume National não está sozinha; outras marcas vem buscando uma identidade mais artsy com seus compradores, isto é, a criação de um mundo estético no qual produz-se obras de arte, em vez de um catálogo comum de  produtos em display habitual.

Para o lançamento da coleção outono/inverno 2012/2013 da Costume National, a designer britânica Margot Bowman criou uma animação com o título de "Keep it under your Hat" ("Mantenha-o debaixo de seu Chapéu"), um híbrido de ilustração, música e animação que procura dar o tom da atual coleção dentro do ethos da marca Costume National. Trata-se de um vídeo de 1 minuto e 45 segundos, no qual os personagens se veem bombardeados por um mundo sem privacidade e de excesso de informação. Conscientes dessa pressão por compartilhar, mostrar, exibir, eles preservam suas emoções e sonhos longe desse bombardeio, debaixo de seus chapéus, óculos, proteções de PVC e roupas de materiais tecnológicos e corte assimétrico. Como se elas protegessem a essência de seus usuários de qualquer tipo de exploração indevida, de algum risco de perda de identidade. Belo e inteligente. 

Vai aí uma mostra do desfile da coleção feminina outono/inverno 2012/2013 da Costume National:

A arte em cartaz - a escola polonesa do pôster

No final da II Guerra Mundial, devastada por alemães e russos, e mais uma vez comandada por um bloco imperial formado pela então União das Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), a Polônia era um país em reconstrução. Em todos os níveis. Seus museus e prédios históricos ou foram parcial/totalmente destruídos ou encontravam-se em estado de semi-abandono, cercados por tapumes e estacas de madeira.

Da mesma forma que a economia acaba por criar seus próprios mercados a partir da demanda dos consumidores, a arte também não consegue esperar. Os poloneses encontraram no objeto pôster o meio mais contundente de espalhar sua arte pelos muros e cercas das principais cidades do país. Se não havia espaço para exibições e exposições, a nova tela, o novo quadro era a linguagem de pequeno porte do cartaz em papel, linguagem que se antes era associada à propaganda, hoje virou objeto de grande valor artístico, cada vez mais utilizado pelas intervenções urbanas de arte de rua, como lambe-lambes, paste-ups, colagens, slaps, stickers. E mesmo na publicidade convencional.

Os artistas poloneses executaram com imensa maestria a junção da linguagem sintética e concisa do design gráfico com a força e as cores do elemento pictórico. Daí nasceram pequenas obras-primas, nas quais predominam a sofisticação do desenho, da utilização das cores, e a síntese do elemento gráfico. 

Em 1968, foi fundado o Museu do Pôster de Wilanów como o primeiro museu no mundo dedicado a essa linguagem artística (http://www.postermuseum.pl/). 

Paralelamente, encomendas para cartazes de exposições, óperas, filmes, festivas se multiplicaram mundo afora, rendendo fama internacional ao estilo polônes de se pensar um cartaz. Abaixo, uma pequena mostra.